Non è un caso che questa tipologia di tematiche inizi a essere presente nella letteratura intorno al Seicento, considerando che proprio questi sono gli anni in cui Caravaggio sta operando una gigantesca riforma dei generi dell’arte visiva, sentendo l’esigenza di confrontarsi con quello che all’epoca veniva considerato un genere minore, ovvero la natura morta, in cui sempre però riesce a trovare un piccolo spazio per un granellino di polvere, oppure un acino d’uva leggermente appassito, fino ad arrivare una foglia rinsecchita. Sta così celando all’interno di un quadro apparentemente di serie b (come di fatto venivano all’epoca considerati i pittori che si cimentavano solamente coi cosiddetti generi minori, cioè natura morta, paesaggismo e pittura di genere) un tema biblico: quello della vanitas ovvero della transitorietà del tempo, che inesorabilmente passa ricordandoci come dobbiamo concentrare  il nostro valore sulla morale e non sui beni terreni, perché non saranno essi a procurarci un biglietto di sola andata in Paradiso e blablabla. 

Quello che Caravaggio sta facendo è ficcare a tutti i costi un soggetto all’interno delle sue opere, affinché esso possa posizionare la sua arte tra quella all’epoca considerata, stavolta, di serie a, ovvero l’arte dei generi maggiori (politica, religione e mitologia) con i quali potevano cimentarsi solamente i grandi Maestri. 

Questa ossessione per il soggetto caratterizzerà anche tutto il successivo Romanticismo, con l’esempio delle grandi tele di Turner, le quali svelano il loro soggetto solamente attraverso il titolo che a questo punto diventa elemento stravagante e fuori contesto. Che bisogno c’è ormai nel 1812 di produrre una tela di ben  146×237.5 cm (che è a tutti gli effetti un ennesimo confrontarsi turneriano con la sua rappresentazione ossessiva dello streben), per poi comunque intitolarla Annibale e il suo esercito oltrepassano le Alpi e ostinarsi a farsi accettare da quella che ormai, a questo punto, possiamo chiamare Accademia? 

Il primo a liberarsi dalla schiavitù della rappresentazione del soggetto è Courbet, che passando per strada in carrozza vede gli spaccapietre e così li rappresenta. Certo, nei giorni successivi, nel suo studio, in posa, siamo pur sempre nell’Ottocento. Ma disegnati per ciò che sono, senza l’ossessione di trovare loro un soggetto, rappresentati nella loro realtà. Questa storia evolverà in quello che è poi stato nominato il Salon des Refusés da chi noi oggi chiamiamo artisti d’avanguardia, che all’epoca dall’Accademia non avevano chance di farsi rappresentare. 

Tornando indietro quindi senza saltellare troppo avanti perché nel mio cervello tutto è collegato ma forse sono solo io ossessionata, Basile è in un momento iniziale di questo gigantesco processo di decostruzione delle logiche tradizionali. Siamo nel momento della comprensione che non esiste arte di serie a né di serie b, da qui l’utilizzo del napoletano. Ma così come nell’arte, non esistono classi sociali di serie a né di serie b. Se ci pensiamo, questi sono proprio gli anni che porteranno poco dopo alle grandi rivolte contro la vecchia nobiltà. 

Pare sia cambiato qualcosa? Traducendo qualche termine (ad esempio Accademia in Mercato e nobiltà in governo), a me sembra proprio di no. 

Già nel 1634 dunque a un autore del napoletano era chiaro come il nostro fosse un mondo in cui maggiore accesso al privilegio determina maggiore fortuna a ricordare come Napoli sia stata, dalle origini, città di resistenza ed eversione alle logiche imposte.  

Daria TDA